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26 mar14 Min. de lectura

Arte en el Antiguo Egipto - Pintura y cerámica

Siguiendo con los últimos posts – Egipto, la civilización del Nilo y el Antiguo Egipto, periodos históricos – conozcamos el arte egipcio, primero la pintura y la cerámica y, en el próximo post, la escultura y la arquitectura.

El arte es una característica esencial de cualquier civilización. Al satisfacer necesidades humanas básicas como alimento, vivienda, leyes comunitarias y creencias religiosas, las culturas comienzan a producir obras de arte. En muchos casos, todos estos acontecimientos ocurren casi simultáneamente. Los orígenes del arte egipcio se remontan al IV milenio antes de Cristo y, a lo largo de los siglos, ha estado interconectado con el arte de las culturas vecinas (sirio-palestina y fenicia). Se puede dividir en dos grandes periodos: el arte prehistórico predinástico y el arte dinástico.

El arte dinástico, con tres períodos principales, sigue una evolución no lineal, caracterizada por algunas fases de gran desarrollo intercaladas con períodos oscuros.

Detalle del trono de Tutankamón que muestra al faraón con su

esposa Ankhsenamon a la derecha. w. 1327 a. C., Museo Nacional, El Cairo.

En el Período Predinástico (c. 6.000 a.C. - c. 3.150 a.C.) este proceso se inició a través de imágenes de animales, seres humanos y figuras sobrenaturales inscritas en paredes de roca. Los primeros son toscos, pero expresan un valor importante como equilibrio de la conciencia cultural egipcia.

Para entenderlo, el arte del antiguo Egipto debe verse desde el punto de vista de los antiguos egipcios. La naturaleza un tanto estática, a menudo formal, extrañamente abstracta y a menudo en bloques de muchas imágenes ha llevado a veces a comparaciones desfavorables con el arte griego o renacentista posterior y mucho más "naturalista".

Sin embargo, el arte de los egipcios tenía un propósito muy diferente al de estas culturas posteriores. Las obras no estaban firmadas y los artistas no tenían autonomía sobre lo que producían, ya que todo estaba bajo el mando de su gobernante.

Era un arte muy relacionado con el entorno de la época. El entorno geográfico determinó una cultura cerrada que hacía su arte impermeable a influencias externas debido a la falta de comunicación con el mundo exterior. Así, el faraón, los nobles y los sacerdotes fueron los principales usuarios del arte egipcio, un arte real y oficial, que se desarrolló fundamentalmente gracias a la religión extremadamente ligada al faraón.

Cabeza de granito de una esfinge del faraón egipcio Senusret III con rasgos juveniles.

Egipto. Reino Medio, XII Dinastía, 1870 a. C. (Museo Estatal de Arte Egipcio,

Munich, Alemania). Foto de: Osama Shukir Muhammed Amin.

La funcionalidad del arte egipcio

La sociedad egipcia se basó en el concepto de armonía conocido como ma'at, que surgió al comienzo de la creación y sostuvo el universo. Todo el arte egipcio se basa en un equilibrio perfecto porque refleja el mundo ideal de los dioses. De la misma manera que estos dioses proporcionaron todos los buenos regalos a la humanidad, la obra de arte fue imaginada y creada para tener, ante todo, funcionalidad.

No importa cuán estéticamente haya sido elaborada una estatua, su propósito era servir como hogar para un espíritu o un dios. Un amuleto habría sido diseñado para ser atractivo, pero la belleza estética no fue el motor de su creación sino más bien la protección.

Los objetos que hoy consideramos artísticos tenían una función trascendental. Pinturas, esculturas y relieves fueron los medios en los que se materializó la vida espiritual. Al mismo tiempo, nos permitieron establecer una conexión con las deidades. Dado el carácter sagrado de su función, fue un arte basado en convenciones que prácticamente no cambiaron a lo largo de los más de tres mil años de esta civilización. Destacan, por tanto, las construcciones monumentales con funciones religiosas, funerarias o políticas.

La producción de imágenes también fue muy importante, pues servían de soporte al ka, una especie de alma, espíritu o parte de la fuerza vital del universo que permanecía después de la muerte mientras tuviera un cuerpo en el que manifestarse. Podría ser un cadáver momificado o una imagen. Los egipcios creían en la inmortalidad del alma y que podía sufrir eternamente si el cuerpo era profanado. La momificación y la monumentalidad del lugar donde se colocaron las momias tenían como objetivo protegerlas eternamente.

Las estatuas proporcionaban un lugar para que el destinatario se manifestara y recibiera el beneficio de la acción ritual. Ya fueran divinas, reales o de élite, las estatuas proporcionaban una especie de canal para que el espíritu (ka) de ese ser interactuara con el reino terrenal. Los de culto divino (pocos de los cuales han sobrevivido) eran objeto de rituales diarios de vestimenta, unción e incienso fragante. Luego eran llevados en procesiones a festivales especiales para que la gente pudiera intentar “verlos” porque estaban casi todos completamente ocultos a la vista, sólo se sentiría su “presencia”.

Mientras nos maravillamos ante los resplandecientes tesoros de la tumba de Tutankamón, los sublimes relieves de las tumbas del Imperio Nuevo y la serena belleza de las estatuas del Imperio Antiguo, es casi obligatorio recordar que la mayoría de estas obras nunca fueron pensadas para ser vistas porque no era el su propósito.

Las estatuas reales y de élite sirvieron como intermediarios entre el pueblo y los dioses. Las capillas familiares con una estatua de un antepasado fallecido podrían servir como una especie de "templo familiar". Había fiestas en honor a los muertos. La familia acudía a comer a la capilla, ofreciendo alimentos para el más allá, flores (símbolos del renacimiento) e incienso (cuyo aroma se consideraba divino).

Templo de Edfu, Egipto. Pasaje flanqueado por dos muros llenos de jeroglíficos.

Lo que vemos en los museos

Generalmente, las obras que vemos expuestas en los museos fueron productos de talleres reales o de élite que se adaptan mejor a nuestra estética e ideas de belleza modernas. Sin embargo, la mayoría de los sótanos de los museos están llenos de cientos o miles de otros objetos hechos para personas de clase baja. Se trata de pequeñas estatuas, amuletos, ataúdes y estelas completamente reconocibles pero que rara vez se exponen.

Estas piezas generalmente tienen peor calidad de acabado, proporciones extrañas o están mal ejecutadas, por lo que no pueden considerarse “arte” en el sentido moderno. Estos objetos, sin embargo, tenían exactamente la misma función de brindar beneficios a sus propietarios, con el mismo grado de efectividad que los fabricados para la élite.

Características del arte egipcio antiguo

El arte del Antiguo Egipto estaba principalmente al servicio de la religión. Casi toda la producción artística tenía como objetivo agradar e invocar a los dioses. También buscaba ayudar al difunto a alcanzar la vida eterna después de la muerte. Era una cultura conservadora pero orientada a prolongar la vida hasta la eternidad y las imágenes tenían esa función.

La temática más común en el arte egipcio es la representación de dioses y faraones, además de las criaturas sobrenaturales que formaban parte del imaginario de esa religión, como esfinges y animales que muchas veces simbolizaban a estas deidades. Por otro lado, los elementos ambientales surgidos no lo hicieron para representar un paisaje en sí mismo, sino para darle forma y significado al escenario mitológico en cuestión. Todo ello solía disponerse en los lugares más sagrados, como templos y, principalmente, zonas funerarias.

Ejemplos de alto y bajo relieve.

También se puede destacar la gran variedad de materiales utilizados en las producciones artísticas. Se utilizaron materiales que muchas veces tenían un valor muy alto porque eran proyectos impulsados por el faraón y porque estaban directamente vinculados con el bien más buscado: alcanzar la vida eterna después de la muerte física.

Algunos ejemplos que se pueden citar son el marfil para pequeñas piezas de ajuar funerario, la cuarcita en esculturas o la malaquita y el lapislázuli para la obtención de pigmentos en pinturas. Y por supuesto, el oro, el metal favorito de los faraones en obras artísticas como máscaras funerarias o joyas.

Las imágenes egipcias tuvieron una fuerte influencia en el desarrollo del arte griego y, a través de él, en el arte europeo y occidental. La escultura griega del período arcaico, por ejemplo, deriva directamente de la escultura egipcia. Es un arte regido por reglas estrictas. Las reglas de representación y construcción eran inalterables. Establecieron, por ejemplo, las proporciones entre las partes, las posturas de los personajes, el tamaño, etc. Los dioses y faraones tenían atributos que permitían su identificación, como la cabeza de halcón del dios Horus.

En la larga historia egipcia hubo sólo un breve período de diecisiete años durante el cual se abandonaron estas características. Amenhotep IV, faraón de la Decimonoveno Dinastía, revolucionó la religión tradicional, impuso el culto al sol y favoreció un tipo de representación naturalista y espontánea. Después de su muerte, se retomó la antigua tradición.

El arte egipcio es más conocido que el de otros pueblos antiguos por dos factores: las creencias religiosas de ultratumba y el uso de la piedra como material en la construcción de sus edificios religiosos y funerarios, lo que les otorgaba una gran solidez y durabilidad. La pintura y la escultura en relieve utilizadas en templos y tumbas, combinadas con el uso de abundantes jeroglíficos, permitieron comprender en detalle la historia del Antiguo Egipto.

Pinturas de 4.400 años encontradas en la tumba de

La sacerdotisa Hetpet representa la sociedad de la época.

La ley de la frontalidad

Una de las características estéticas más fuertes de las pinturas artísticas egipcias fue su canon original para representar la figura humana, la llamada Ley de Frontalidad. Utilizado en representaciones humanas, determinó que el torso fuera retratado de frente, con la cabeza, piernas y pies, hacia un lado. Se creía que los ojos, vistos de frente, serían la mayor característica del retratado. Sólo se permitían tres puntos de vista: de perfil, de frente y de arriba.

Podríamos pensar que este canon de perfil era un signo de incapacidad del artista, lo cual no es cierto. Como en cualquier otro elemento del arte egipcio, esta regla esconde un carácter simbólico-religioso, aplicado principalmente a seres terrenales con aspiraciones de eternidad en el más allá.

Un dibujo de una persona fallecida la invocaba directamente en el más allá, en una especie de comunicación directa con ella. Por tanto, el objetivo era que el difunto mostrara en todo momento la parte más importante de su cuerpo o alma, que no era más que su mirada interior (alojada en el ojo) y su corazón (alojado en el baúl).

De perfil: cabeza, brazos y piernas.

Frente: torso y ojos.

Las figuras y elementos de la escena siempre fueron planos, es decir, carecían de volumen y eran bidimensionales, sin representar fielmente la profundidad espacial. Sin embargo, para expresar la idea de distancia o profundidad, se acostumbraba a superponer perfiles, de modo que las figuras más alejadas destacaban en altura y aparecían parcialmente cubiertas por la figura más cercana. Suele verse un orden jerárquico expresado en tamaño: el faraón adopta dimensiones mayores que el resto de los personajes humanos representados, salvo que se trate de la ya mencionada norma espacial de perfiles superpuestos.

El canon de perfil y las convenciones espaciales siguieron vigentes en el arte egipcio durante más de tres milenios, desde sus primeras fases. Sólo fue ignorada a partir del siglo I d.C., bajo el dominio romano, que en cierta medida importó sus propios cánones artísticos. Sin embargo, la ruptura de cánones bajo el dominio romano propició la aparición de un género trascendental no sólo para la historia del arte egipcio, sino también para la historia del arte universal: los fascinantes retratos de Fayoum, encontrados en la necrópolis de Hawara, cerca del Oasis de Fayoum, hoy en el Museo del Louvre, en París.

En los enterramientos, en la parte correspondiente a la cabeza del sarcófago, se pintaron retratos de sorprendente naturalismo, dignos de las mejores obras del Renacimiento italiano, con la clara intención de mostrar de forma realista la momia que albergaba en su interior.

Convenciones expresivas

En la representación bidimensional (bajorrelieve y pintura), los artistas egipcios han demostrado a lo largo de los siglos una clara adhesión a una serie de convenciones que hacen que el arte egipcio sea único e inmediatamente reconocible, una imagen de una sociedad conservadora y estable.

El interés de los artistas egipcios al representar un objeto o una figura humana era presentar lo máximo posible su totalidad física, sin “elegir” un único punto de vista, sino seleccionando múltiples puntos para tener la mejor perspectiva para cada elemento que conforma la figura, estudiado parte por parte y no en su totalidad.

Las representaciones se obtenían así mediante “montaje” lógico, sin ningún interés en el ilusionismo de crear figuras que dieran al espectador la idea de tenerlas realmente delante. Para ello se utilizaron rejillas geométricas, que garantizaban una relación precisa entre las partes del cuerpo.

Es por esto por lo que en la figura humana los hombros y el torso suelen estar colocados frontalmente, la pelvis en tres cuartos, las piernas de perfil, generalmente separadas a lo ancho de un escalón; el rostro está de perfil, pero el ojo está representado de frente. Son típicas las proporciones "jerárquicas", es decir, los personajes más importantes representados a mayor escala; el hombre era generalmente retratado más grande y de tez más oscura que su esposa, situada a su izquierda.

La hija del faraón fue destacada como la primera heredera al trono. Los hombres sentados colocaban la palma de la mano sobre el muslo, mientras que los hombres de pie mantenían el pie izquierdo más adelantado. De esta forma podrían incorporar diferentes aspectos humanos, como el movimiento y la quietud al mismo tiempo. Entre los animales, se representaron lagartos y abejas desde arriba y cocodrilos de perfil.

Pintura egipcia

La pintura fue una de las representaciones artísticas más destacadas, alcanzando

gran desarrollo técnico, al tratarse de obras realizadas hace tres o cuatro milenios, en algunos casos. Esto es especialmente notable en la pintura mural, que bien puede considerarse un precedente de la pintura al fresco utilizada muchos siglos después.

La perspectiva jerárquica fue muy utilizada, por lo que los personajes más importantes se representaban más grandes y sin sombras. El espacio siempre fue plano y las imágenes estaban distribuidas en franjas horizontales que funcionaban como registros narrativos.

Durante el Imperio Medio la pintura prevaleció sobre las artes escultóricas debido a su mayor facilidad de ejecución. Hubo dos innovaciones en este período: el naturalismo de las tumbas de Beni Hasan y la tendencia a pintar sarcófagos de momias. Las decoraciones son sobrias y esenciales.

La pintura y el relieve alcanzaron su plena madurez estilística y creativa. Los innumerables testimonios que llegan de los templos de todo el país y de las tumbas profusamente decoradas de la necrópolis tebana demuestran un alto desarrollo de estas artes que además experimentan con nuevas técnicas, nuevos cánones y nuevas temáticas, con una perfección y dominio del uso del dibujo. en los detalles más pequeños nunca vistos, logrados en períodos anteriores.

Los temas se enriquecen con escenas de la vida cotidiana, como la tumba de Nebamón, mientras que las escenas traspasan las fronteras de Egipto con la representación de flora y fauna procedentes de lugares extranjeros, debido a la apertura a los países vecinos y a la expansión territorial de los soberanos.

Las pinturas se pueden encontrar principalmente dentro de las pirámides. Representaban la vida y las grandes hazañas de un faraón en particular que fue enterrado allí. El propio faraón contrataba al pintor y este no tenía autonomía sobre lo que pintaba ni podía ejercer libremente su creatividad al no reconocerse su autoría y la obra se ejecutaba según lo solicitado. Lo que importaba era la perfecta realización de las técnicas realizadas y no el estilo de los artistas.

La mayoría de las pinturas al temple se realizaban directamente sobre piedra o yeso compuesto por una capa de tiza, paja y barro. Los artistas normalmente trabajaban en grupos, dirigidos por maestros, que se encargaban de las figuras más importantes y de la elaboración de contornos y detalles, mientras que los pintores rellenaban los bocetos con pinceladas coloridas.

El uso de colores

El mejor ejemplo de virtuosismo técnico fue la producción de pigmentos. Las mezclas utilizadas ofrecieron resultados de muy alta calidad, especialmente en términos de durabilidad, debido a las condiciones estables de temperatura y humedad de estos lugares, a menudo bajo tierra o dentro de la roca. Gracias a ello se mantuvieron en buen estado durante miles de años.

Los egipcios obtenían sus pigmentos de la propia naturaleza, principalmente de tierras de diferentes tonalidades, que disolvían en agua tras mezclarlas con barro. Luego se combinaban con huevo y pegamento, entre otras opciones, lo que los convertía en dignos iniciadores en la técnica del templado. Se aplicó, por ejemplo, a los sarcófagos, mientras que el fresco se utilizó en la pintura mural, transfiriendo los pigmentos a la capa de yeso. Las pinturas utilizadas en estas pinturas fueron extraídas de la naturaleza, de la siguiente manera:

Negro (kem) - asociado con la noche y la muerte, aunque más bien como un preludio a la resurrección, por lo que normalmente no tenía una connotación negativa. Se obtenía a partir de carbón vegetal, carbón calcinado o pirolusita, un óxido de manganeso procedente del desierto del Sinaí.

Blanco (hedj) - se extraía de la cal o del yeso y simbolizaba la pureza y la verdad.

Rojo (decher) - representaba energía, sangre y vida, poder y sexualidad. Era el más fácil de conseguir, sobre todo en su versión ocre, ya que provenía de la hematita en forma terrosa, algo bastante abundante en la región. Por eso era uno de los colores más comunes en el arte egipcio. Se utilizó para la piel de figuras humanas masculinas.

Amarillo (ketj) – era el símbolo del sol y de la eternidad, extraído de la mezcla natural de diferentes óxidos de hierro (ocre), óxido de hierro hidratado (limonita) o diferentes minerales. Generalmente se usaba en cuerpos humanos femeninos.

Verde (uadj): simboliza la regeneración y la vida y proviene de minerales de fascinante belleza natural, como la malaquita o la crisocola del Sinaí.

Azul (khesebedj) - extraído del carbonato de cobre y de minerales como la azurita, se asociaba con el río Nilo y el cielo. También se ha documentado el uso del lapislázuli, aunque no existía en la región. Por ello, tuvo que ser importado de lugares lejanos como Afganistán, lo que demuestra la gran importancia que se le atribuye a este color.

Además de estos seis colores fundamentales, a través de determinadas mezclas se obtuvieron otros. A pesar de contar con una paleta de colores reducida, el poder visual y simbólico de los colores compensó con creces esta limitación. Un buen ejemplo son los diferentes tonos de piel que podían adoptar las deidades, los cuales hacían referencia a sus poderes. El verde generalmente hacía referencia a la fertilidad agrícola, como en Osiris, y el azul aludía al carácter cósmico o celestial de su correspondiente deidad, como Amón.

“Vale la pena coger un lápiz e intentar reproducir uno de estos dibujos egipcios “primitivos”. Nuestros intentos siempre parecerán torpes, asimétricos y deformes. Al menos el mío parece serlo. Porque el sentido egipcio del orden en cada detalle es tan poderoso que cualquier variación, por mínima que sea, parece desorganizar el conjunto por completo”. Ernst Gombrich, historiador.

La cerámica, entre lo cotidiano y lo artístico

La alfarería era un trabajo muy común en la sociedad egipcia, sus piezas tenían diferentes funciones, desde el uso cotidiano hasta el funerario y religioso. En la vida cotidiana, los objetos cerámicos se utilizaban para tareas como cocinar, conservar alimentos o contener perfumes, a menudo decorados con formas geométricas simples o figuras esquemáticas.

Las obras más valiosas son precisamente las funerarias, pues eran colocadas junto a las tumbas para prestar diversos servicios a los difuntos en el más allá. Las piezas se elaboraban esmaltadas con barniz y, en algunos casos, con partes recubiertas de oro. El alabastro, o marfil, fue el material utilizado como complemento.

Jarrón con diseños de barcos, cerámica pintada de Egipto, c. 3450–3350 a. C.; en el Museo de Brooklyn, Nueva York. 17,6x20,9cm.

Destacan especialmente las copas canopos, recipientes destinados a contener las vísceras del difunto, que debían ser lavadas, embalsamadas y conservadas para que el difunto pudiera alcanzar la vida eterna después de la muerte. Las vísceras estaban unidas al cuerpo momificado y a sus entidades inmateriales, ba y ka. Al principio estaban simplemente decoradas con inscripciones jeroglíficas, cerradas con una losa. En el Imperio Nuevo, los gorros tomaban la forma de la cabeza del difunto y, hacia el final de ese período, la cabeza de la deidad protectora.

Otras obras maestras del arte egipcio antiguo, como los ushabti (aquellos que responden a las llamadas), se colocaban junto a la tumba de los difuntos para trabajar para ellos en el más allá. Era habitual el uso de loza, un tipo de cerámica vidriada de finísima calidad, que podía dejar acabados muy atractivos en colores como el ocre o el azul en diferentes tonalidades (verdoso y celeste). Sin embargo, también podrían estar fabricados con otros materiales no cerámicos, como madera o lapislázuli.

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